Collectif de la neuvième main

Le mystérieux collectif de la neuvième main, réunissant huit artistes vivant et travaillant à Lyon, expose ici son Tarot de la neuvième main. A partir d'une libre inspiration du tarot de Marseille, chacun revisite selon son esthétique propre ce jeu de 22 arcanes, dorées et sérigraphiées par Madame Lapin. L'occasion de faire à ce tarot "médiéval" un écho troublant de notre société contemporaine !

Régis Flandrin

Son travail naît d'accidents, de fautes de parcours et d'autres expérimentations. Une recherche faite de strates qui s'intéresse principalement à la figure, au portrait. Il est question d'un regard porté sur différents rapports de communication, que les situations soient exceptionnelles ou quotidiennes la recherche reste la même, trouver un moyen adapté pour rendre compte d'une étrangeté toujous présente.
www.rflandrin.fr

Stéphane c.

www.stephane-c.net

In between.
C'est l'un des titres de la série photographique de Stéphane C., comme une entrée dans un monde équivoque. Cette série, on le devine, est sans commencement ni fin. Stéphane C. est livré à ce geste obsédant qu'est de photographier. Et qu'importe où il se trouve, ce qu'il fait. L'essentiel est d'arracher aux choses leur voile d'incertitude. Comme si la somme des apparences, ne donnait du monde qu'une vision parcellaire, indéfinie. Toujours vibrante, vivante. Ces images ne dévoilent pas un autre monde, il s'agit bien du nôtre, mais le photographe, avec une émouvante sincérité, tâche d'en relever ses blessures et ses déchirements. Tentative exacerbée de faire coexister sur un plan photographique, le réel et son double, comme vouloir faire entrer le jour dans la nuit.
 Amaury Da Cunha 

Effacer la nuit
A propos des photographies de Stéphane C

Les images de Stéphane C forment un ensemble photographique sédimentaire. Il y a une composition élaborée par couches. Elles sont compactes et denses, dans leurs textures comme dans leurs profondeurs. La lumière balaye le noir pour écarter les sujets des zones opaques, qui les rendaient indiscernables, jusqu'alors baignés d'obscurité. Nous sommes face à un processus de mise à jour.Il y a donc une archéologie du réel qui chercherait obstinément à révéler ce qui est caché, infime, afin de le porter au monde. Une démarche de fouille, quotidienne, méthodique et au long cours, sur des emplacements spatiotemporels rarement dévoilés. L'auteur nous parle bien d'entre-deux. D'interstices subtils dont il faut faire l'expérience afin d'en recevoir les retentissements.  Mais la photographie, qui officie souvent pour authentifier ce qui a été « là », amène ici une hésitation. Ça a été? S'il y a une dimension fictionnelle, mêlée d'autobiographie, on y trouve aussi  la restitution d'un état intérieur instauré par le traitement du noir et blanc. Ces états relèvent de l'invisible, seule l'image peut figurer leurs existences, seraient-ils logés dans l'esprit seul du photographe.Quand il y archéologie, il y a aussi disparition préalable. Le battement d'un premier ensemble d'images nous signifie le frottement de deux univers qui se superposent. L'apparition y rencontre l'effacement. Il en ressort une atmosphère fantomatique. Peut-être légèrement mystique. Certaines postures des protagonistes évoquent à ce titre une quête de rédemption. Ils semblent parfois acculés à une errance rituelle au bout de laquelle ne surviendra que leur  propre disparition.  Une deuxième période prend ensuite place. Une sorte d'apaisement intervient où la lumière adopte par moment un nouveau statut. Elle irradie et, par là même, aveugle les surfaces. Par son éclat, visages, corps, façades et vitres sont soumis à ce gommage. Là encore, des symboles suggèrent que ce parcours aboutira sans doute à un exorcisme, comme sur la photographie de cet homme qui  semble faire ses ablutions au milieu d'un lac. Dans cette série photographique, la place de la marque est cruciale. Marques de l'écriture « Silence », « Coming soon very sad », des tatouages, des griffures mutilantes sur la photographie d'un enfant défunt. L'existant mis à l'épreuve par la matière écorchée. Marques aussi du passage de l'auteur, à travers un territoire, sur le film photographique hypersensible, afin de restituer ce dont il a été le témoin conscient. Des sceaux contenus dans un espace figé même s'il apparaît tremblant. Ce que l'on retrouve aussi dans l'espace de représentation pictural, c'est cette préoccupation de la conservation. Retenir. Toujours retenir. Ce qui importe a l'auteur. Il y convoie l'instant arraché au quotidien, mais aussi la question des images déjà existantes : Affiches, petites photographies d'identité, l'anatomie d'une société reposant sur la représentation et le souvenir. Face au travail du photographe et à sa démarche établie sur la durée, vient à l'esprit le mythe de Sisyphe. Celui de l'éternelle tâche et de l'éternel recommencement. Implacable.
Emmanuel Madec

Marie Mazuy

NY jetable
Un protocole simple : New York + appareils photographiques jetables + un minuteur = une photo prise toutes les heures là où le regard se pose. Récit de voyage à la croisée de la réalité et de la fiction, le projet NY Jetable se présente sous la forme d'une grille offrant la possibilité de nouvelles narrations, à différents niveaux de lecture, sortes d'histoires dans l'histoire. Dans cette construction narrative, Marie Mazuy partage le rôle d'auteur avec Paul Auster, à travers des extraits de la Trilogie new-yorkaise. Cette expérience proche de la métafiction joue sur l'interrogation : jusqu'à quel point est-on vraiment soi ?

Architecte et plasticienne, Marie Mazuy travaille à la narration des paysages.

Dans un contexte de diversification de la théorie et de la pratique architecturale, elle propose, à l'aide de différents média (photographie, vidéo, écriture, parcours…), de révéler les processus de création de la ville, qu'ils soient de l'ordre du réel ou de l'imaginaire. Sa démarche enthousiaste, à l'interface de la production artistique et de la production urbaine, nous donne à voir des mises en scène de lieux issus de l'expérience quotidienne des territoires.

Kevin Buy

L'exposition Uchronie met en scène une probable projection dans le future des cultures urbaines. Le choix de présenter des images numériques non traitées et photographiées à travers les 60 ans de poussière accumulé sur le dépoli d'un kodak dualflex des années 50 se rapproche du fond du sujet traité.

En héritant de l'appareil de son père, kevin découvre la photographie argentique jeune sur un Olympus OM1. Autodidacte, il apprend les techniques photos en expérimentant et en lisant des livres. Il affectionne particulièrement les photographies narratives et ne souhaite pas se cantonner à une pratique particulière ou une thématique de prédilection. Pour cela , il aime le travail sur une série.
Retrouvez les photographie de Kevin Buy chez les commerçants participant à l'évènement.

Susy Foundhope

www.foundhope.fr

Contrastes, noirs puissants et contre-jours, voici quelques mots qui caractérisent le travail de Foundhope. Ses photographies, empreintes d'émotions et chargées d'histoires, nous font partager des instants quotidiens d'une jeunesse habitant la ville et ses rues. A travers ses clichés, elle tente de retranscrire le moment unique d'une interaction, d'un échange, mais aussi la beauté et la complexité du monde qui nous entoure. Un univers qui montre des choses belles et simples : La vie.

Emmanuelle Coqueray

USA //Lyon

Photographies réalisées suite à une commande des Archives de Lyon. Les Archives de Lyon entretiennent des liens privilégiés avec la photographie qui y occupe une place importante, autant dans les collections que dans la programmation culturelle. Aux Archives, la photographie est généralement patrimoniale, elle témoigne des mutations du paysage de la ville et accompagne les changements du quotidien de ses habitants. Elle est également plasticienne, libre des contraintes du style documentaire et portant un regard subjectif sur le monde. Malgré tout, elle demeure un complément légitime des témoignages patrimoniaux. Ce n'est donc pas un hasard si les Archives participent à l'événement Lyon Septembre de la Photographie en demandant à une jeune photographe, Emmanuelle Coqueray, de déceler dans le paysage urbain et culturel lyonnais les traces de la culture américaine. Pour réaliser cette commande, l'artiste a choisi de porter son regard sur les signes d'une culture et d'un mode de vie, à l'origine d'un imaginaire mondial amplement relayée par la photographie et le cinéma. Très loin de l'Amérique, dans l'agglomération lyonnaise, ces signes se fondent dans la réalité locale, se métamorphosent, réappropriations, métissages et création de nouvelles identités. Chercher à Lyon les marques d'une Amérique fantasmée a inévitablement ramené la photographe à l'expérience qu'elle fait de ce territoire en le parcourant.

Bullitt Ballabeni

Homo Experimentum
Immersion dans le corps humain au travers du bestiaire mythologique où chaque organe, foyer d'une émotion, donne naissance à son monstre. Chaque pièce se focalise sur un organe, révélant son monstre caché. Les supports métalliques des oeuvres qui portent les illustrations sur résine apparaissent telles des loupes devant une carte au trésor de nos émotions.

illustrations sur résine : Sophie Haza
travail du métal : Bullitt Ballabeni

Il développe sa pratique artistique autour de la sculpture, tout en explorant ponctuellement d'autres médiums comme la peinture, la taxidermie, le dessin, ou le tattoo. La recherche des matières premières faisant part intégrale de son travail, la composition en volume lui permet d'aborder différentes problématiques liées au monde contemporain, ciblant d'une part les blessures et douleurs infligés à la faune et la flore par l'Homme, et montrant d'autre part la Force de ces mêmes sujets. En choisissant la sculpture comme médium privilégié, il tend vers la fabrication complète de ses matières premières, lui laissant un champ de création plus large. Il s'agit d'une pratique ouverte et intuitive alimentée d'une accumulation d'expériences et de voyages. L'environnement de la création d'une œuvre le passionne tout autant que l'œuvre elle-même, la disposition, le vieillissement, la logistique. Le rendu nous plonge dans un univers ambigu, mêlant attraction et malaise, un univers de vivant et de non-vivant coloré.

Sophie Haza

Née à Rabat, Sophie Haza passera son enfance au Maroc qu'elle ne quittera qu'à l'adolescence pour s'installer à Grenoble. Son père lui transmet très tôt le virus du dessin et c'est par l'illustration que la jeune Sophie reconstruit son monde. Après cinq ans de faculté de science, elle change radicalement de branche pour s'adonner à ses premières passions et intègre l'école Emile Cohl. En quatre années, elle se diplôme et devient une illustratrice et artiste accomplie. C'est en freelance qu'elle fait ses armes: une succession de projets divers, une illustration de livre jeunesse et un travail assidu pour une compagnie de théatre la fait sortir du lot: elle est remarquée pour son univers acide et acidulé, d'inspiration japonaise, "Kawaï" et inquiétant: Sophie Haza explore les névrose d'adultes qui n'ont pas encore fini de soigner l'enfant blessé tapi dans un recoin sombre de leur esprit... Entre trace et cicatrice, Sophie Haza s'intéresse au tatouage et se forme à Viva dolor, à lyon. Aujourd'hui nous la retrouvons à l'atelier/galerie/tatoo In My Brain, à Lyon.